Ар деко: от стиля к дизайну

До шестидесятых об ар деко во Франции говорится как о «ретро», в Америке оно определяется как «джаз модерн» или «стримлайн модерн». Считается, что термин "ар деко" придумала Hilary Gelson, написавшая для The Times статью, озаглавленную «Ар деко» и вышедшую в свет 2 ноября 1966 года. Название отсылает нас к парижской выставке 1925 года L’Exposition des Arts Dйcoratifs et Industriels Modernes (Выставка современных декоративных и промышленных искусств), где демонстрировались последние достижения архитектуры и прикладного искусства. Выставка, отложенная из-за Первой Мировой войны на 10 лет, явила основные тенденции в изобразительном и декоративном искусстве, развивавшиеся в Европе с начала века. Там были представлены образцы ар нуво, освобожденные от витиеватых излишеств (фонтан из цветного стекла с подсветкой, работы Рене Лалика), проекты архитекторов-конструктивистов Ле Корбюзье и Малле-Стевенса, выполненные в стиле, определенном позже как «неопластицизм», а также вульгаризированные вариации на тему разработок живописного авангарда (кубизм, фовизм, супрематизм).

Успех выставки 1925 года был столь мощным, что формы, показанные в павильонах, стали тиражироваться в мейнстриме, и таким образом, в «крестных отцах» ар деко оказались художники, не задержавшиеся в этом стиле, возникшем «здесь и сейчас» из остатков прошлого и знаков будущего, объединяя традицию и современность.

Предметы интерьера и мебель

Если одним из принципов ар нуво было иерархичный и гармонизированный сплав структурного ритма и декора, формы и материала, из которого выполнялся объект - будь то здание, стул или брошь, то стиль-преемник провозгласил независимость этих компонентов.

Декору была отдана почти автономная роль. Декор был крайне персонализированным (у каждой вещи - свое лицо) и насыщенным, что часто создавало «перенаселенность» предметов в замкнутом пространстве. Автономию получили и мелкие предметы интерьера: лампа, ваза, часы, каминная решетка, обогреватель и другие бытовые вещи стали объектами моделирования. Они приобрели необычные формы, которые совершенно, на первый взгляд, не соответствовали их функции: лампы и вазы превращались в гигантские цветы, радиаторы могли быть стилизованы под массивные железные шкатулки.

Мебель ар деко украшается очень дорогими материалами. Одними из первых фактуру древесины подчеркивают при помощи перламутра и слоновой кости отец и сын Жайо, чьи предметы были представлены в пяти павильонах Парижской выставки 1925 года. Тенденция ввода новых материалов - металла и пластмассы - наблюдается в работах семьи уже после 1925 года. Влияние древних цивилизаций очень характерно для предметов мебели - заимствуется не только орнамент, но и формы греческой и египетской утвари (низкие столики, полу-лежанки), а также создаются стилизации. Известнейшим примером будет шезлонг в форме каноэ работы ирландки Эйлин Грей (1878-1976).

Стекло и ювелирные изделия

Рене Лалик (1860-1945), один из центральных мастеров 20-30-х годов по стеклу и ювелирным изделиям, получил признание уже на Всемирной выставке в Париже 1900 года. К 1925 году его творчество эволюционировало от причудливых изящных форм к более простым геометрическим, с референцией на индейские орнаменты. Признанный ювелир рубежа двух столетий (его украшения принимали диковинные формы павлинов, морских коньков, стрекоз и даже мышей, а выполнялись из сочетаний камней со стеклом, эмалью и даже пластиком), Лалик революционализировал и стеклопроизводство; отдельные произведения были выполнены в десяти цветах и украшены эмалью. Несмотря на то, что мастерская Лалика продолжила работу после смерти своего основателя (она существует и по сей день), гравировка «R. Lalique» исчезла с изделий из стекла, равно как и некоторые изделия перестали выпускаться ввиду сложности производства.

Ювелирные изделия ар деко, в большинстве сохраняют прямоугольный орнамент. При этом образуются две школы, выпускающие черно-белые и цветные украшения. В первой во всевозможных сочетаниях использовались платина, серебро, сталь, бриллианты, черный оникс; во второй - золото, янтарь, разноцветные драгоценные камни и эмаль.

Мода

Ключевой фигурой в мире моды того времени была даже не Коко Шанель (1883-1971), а французский дизайнер Поль Пуаре (1979-1944). Начинавший как режиссер и автор костюмов к театрально-карнавальным действам, Пуаре-кутюрье первым стал демонстрировать свои модели не на манекенах, а на девушках-манекенщицах. Его примеру последовала Коко Шанель, равно как и при выпуске знаменитых «Шанель №5». Как отдельную сферу деятельности Пуаре стоит упомянуть ковры, ткани и обои. В этой области одним из генераторов идей стал Поль Ириб - в 1908 году он разработал эскизы обоев и тканей для Пуаре. Пуаре, в свою очередь, начал сотрудничать с Раулем Дюфи и основал студию детского рисунка - произведения детей Пуаре использовал как эскизы для тканей, - которая выросла в Atelier Martine, производящее декорированный текстиль.

Рисунок тканей, ковров, обоев был повторяющимся: геометрический орнамент, стилизованные фигуры людей или животных или упрощенные растительные мотивы делали платье, покрытие пола или стену весьма насыщенной, как будто живущей самостоятельно.

Живопись

Живописные произведения ар деко можно назвать не новаторскими, но стильными: укорененные в классической живописной традиции, они используют элементы фовизма, экспрессионизма, кубизма. Большое внимание уделяется изображению второстепенных объектов - деталей туалета, одежды, аксессуаров.

Самым известным художником ар деко считается Тамара де Лемпика (1898-1980). Урожденная Мария Горская, она переехала из Польши в Россию, где жила вплоть до революции 17 года, затем в Париж, где училась у Мориса Дени. Наиболее известны портреты Т. де Лемпики: женщины в элегантных одеяниях, принявшие томные позы. Ее работы, синтезирующие салонную иконографию с элементами кубизма, легко вписывались в буржуазный антураж. В 1940-х она поселилась в Беверли Хиллз, где ее произведения пользовались большим успехом. Только в 1960-х Т. де Лемпика изменила стиль на абстракцию - изменение не прошло безболезненно для ее популярности; Лемпика дала себе обещание больше не выставлять свои произведения и последнюю часть жизни провела в Мексике.

Плакат

Плакат в стиле ар деко отличался большим вниманием к деталям: если предметом изображения была женщина, то тоже «декорированная» - подробно вырисовывались детали одежды, украшения, каблучки и пр., тогда как в целом линии были легкие и лаконичные. Творчество мастера плакатного жанра (а, кроме того, театрального оформителя, живописца, литографа и создателя шрифтов) Адольфа Мурона, известного как Кассандр (1901-1968), - оказало влияние на всю рекламную индустрию первой половины ХХ века. Украинец по происхождению, Кассандр создал свой первый постер в 1923, а два года спустя уже завоевал первый приз за лучший плакат на парижской Выставке декоративных искусств 25 года. Кассандр, как и Эрте, некоторое время работал в США и тоже сотрудничал с Harper's Bazaar, но в 1939 вернулся во Францию и ушел в работу в сфере рекламы и театра.

Архитектура

Архитектура всегда является в определенном смысле проверкой стиля, она кристаллизует его недостатки или достоинства. Именно здесь неидеологичность ар деко, придающая произведениям малых форм, выполненных в этом стиле, особый шарм, сыграла свою негативную роль: основным недостатком зданий стало отсутствие цельности, единой концепции, из-за чего здания нередко «разваливались» - самостоятельность декора уже внушала опасения. Произведения зодчества вернее рассматривать в контексте особенностей позднего ар деко, которое в Европе теряет пышность и сближается с конструктивизмом, а в тоталитарных Германии, Италии и России - с классицизмом. Только Америка, несмотря ни на что, строит все новые памятники американской мечте - небоскребы.

В гонке манхэттенновских высоток каждая новая в буквальном смысле соревновалась с предыдущей в высоте и декорированности. Неокубисты, примитивисты, геометристы или последователи экзотических стилей (Мексики и доколумбовой Америки) - все они рассматривались не как самостоятельные художественные единицы, а как «художники по небоскребам», создающие футуристическую архитектурную утопию, освещаемую неоновыми рекламными огнями. Квинтэссенция нью-йоркского ар деко - Chrysler Building (1928-1930), насчитывающее 77 этажей и 234 метра в высоту, выполненное архитектором Вильямом Ван Аленом для автомобильного магната Вильяма П.Крайслера. В декоре здания присутствуют даже драгоценные камни. Еще один классический пример - Empire State Building (1930-1932) архитекторов Лэмба, Шрэва и Хэймона, отвоевавшее звание самого высокого здания мира у Эйфелевой башни: 102 этажа, 381 метра высотой.

Театры, мюзик-холлы, кинотеатры, отели (в Майями целая улица отелей называется «Ар деко»), крупные магазины (Bloomingdales, Tiffany, Bonwit Teller)… Они символизировали богатство, роскошь, избыток и… почему бы не счастье третьей - на западной части карты мира того времени - империи.

Ар деко в наше время

Взрывы популярности ар деко спустя полвека (после мебельного аукциона в Париже в ноябре 1972 года, когда цены на предметы этого стиля неожиданно взлетели вверх) и с девяностых годов, скорее всего обусловлены усталостью человека от индустриальной неволи. В то время, как ар деко наиболее ярко демонстрирует соединение искусства, роскоши и технологии. В России ар деко возрождается при тех же социологических условиях, при которых и появилось: изменение в составе элиты и вхождение в нее успешных бизнесменов, а также обилия нового противоречивого искусства, среди которого надо найти что-то спокойное и понятное.

В настоящий момент нео-ар деко реализуется в проектах современных архитекторов (Д.Долгой, А.Боков), а антикварные салоны не обходятся без ар деко - последние два года оно пользуется наибольшим спросом у индивидуальных покупателей и рифмуется с модой на антиквариат 1930-х. Самой большой в России коллекцией оригинальных предметов ар деко на сегодняшний день обладает галерея «Французский дом», где собрано более 1000 уникальных предметов декоративного и прикладного искусства, скульптуры, живописи и мебели, относящихся к этому стилю.